Flash musique avril 2024

 

Disque hommage à Ruben Um Nyobè, premier leader Camerounais à avoir revendiqué l'indépendance de son pays, et qui pour cela fut exécuté par des militaires français le 13 Septembre 1958.

 

 

Le duo country mari et femme Alyssa & Wayne Brewer. Marié depuis 2015, Wayne dit que l'enregistrement d'un album en duo est un objectif depuis que lui et Alyssa ont commencé à sortir ensemble.

Ce nouvel EP, est la première étape d'une trilogie que Kemit sortira avec une direction artistique basée sur des éléments clés de la nature. Dans ce premier Ep, il a choisi de valoriser le positif, la beauté et l'amour. Cet un voyage entre les différentes facettes de l'émeraude, en faisant un parallèle entre la symbolique de cette pierre et les éléments de la société, pour plonger dans une symbolique visuelle et sonore marquée par la couleur émeraude. Dans un flow rappé et une voix chantée, Kemit nous transportera vers un univers univers original. Emeraude est un Ep de 5 Titres qui parle de la société, des rapports entre les personnes, les émotions, la beauté, la nature et l'amour à travers le fabuleux destin de l'émeraude.

The Libertines, groupe culte du punk rock britannique des années 2000 composé de Pete Doherty, Carl Barât, John Hassall & Gary Powell, reviennent après 8 ans d'absence avec l'album 'All Quiet On The Eastern Esplanade'. Ce nouvel album, annonce le retour du groupe pour le printemps 2024. De retour avec un album composé en Jamaïque à l'hiver 2023, accompagnés du producteur Dimitri Tikovoï (The Horrors, Charli XCX, Backy Hill) et masterisé par Dan Grech (Lana Del Rey, Liam Gallagher, Paul McCartney). Selon Carl Barât c'est l'histoire entière de The Libertines qui a menée à la création de cet album : " Notre premier album est né de la panique et de l'incrédulité quant au fait d'être en studio ; le deuxième est né d'un conflit et de la misère ; le troisième est né de la complexité, celui-ci donne l'impression que nous étions tous au même endroit, à la même vitesse, et que nous nous sommes vraiment connectés. ".

Avec son nouvel album Y'y (prononcé "eey-eh, eey-eh"), le compositeur et pianiste brésilien Amaro Freitas franchit une étape dans sa création musicale. Originaire de la ville côtière de Recife, au nord-est du Brésil, Amaro a été attiré par la région de Manaus, située dans le bassin amazonien, à quelques 4 600 kilomètres à l'ouest en 2020. C'est son exploration qui lui a inspiré cet album. La face A explore la connexion à la terre et aux ancêtres, rendant hommage à la forêt et aux rivières du nord du Brésil, tant par la musique que par le titre de l'album, Y'y, un mot écrit en dialecte indigène Sateré Mawé qui signifie eau ou rivière. Sur la face b, Y'y montre les liens unissant la communauté mondiale de l'afro-avant-jazz. Réunissant le multi-instrumentiste issu de la scène londonienne Shabaka Hutchings, la harpiste new-yorkaise Brandee Younger, le bassiste cubain Aniel Someillan, le guitariste Jeff Parker et le batteur Hamid Drake, la musique crée une conversation artistique en tissant des traditions du jazz issu du monde entier, tout en restant enracinée dans les sons et les rituels uniques des cultures afro-brésilienne et indigène. Sur Y'y, Freitas continue d'intégrer le savoir ancestral à la musique en apportant son interprétation fraîche et décolonisée du jazz brésilien et en partageant une musique qui pourrait bien faire voler en éclats nos idées préconçues sur ce que le jazz peut être.

S'il y a eu la french touch dans les années 1990, il y a eu la french pop dans les années 2010 ; c'est bien au milieu de ce courant revival que Cléa a fait ses premiers pas. Dès le clip d' «Achète-le-moi», sur son premier LP Retiens mon désir (2016), on voit apparaître pêle-mêle des vinyles de pop française (La Femme, Bertrand Burgalat), comme un selfie en vidéo où la chanteuse pose avec ses camarades, via leurs disques. Depuis, qu'elle ait chanté avec Philippe Katerine ou co-réalisé (et composé) D'ici là tout l'été de Jeanne Balibar (2023), Cléa Vincent s'est naturellement taillée une belle place au sein de la french pop. Écriture, composition, production, l'avantage d'être une touche-à-tout, c'est que l'on peut toucher tout le monde. À la fois acclamée dans le circuit indé que « vue à la télé » (dans Quotidien, entre autres), Cléa a aussi enfilé la cape d'animatrice pour l'émission web-TV Sooo Pop, où elle s'est entretenue avec pléthore d'artistes de la scène hexagonale. Au-delà de la France, la chanteuse voyage sans cesse : après une série de concerts en Europe, Asie, Amérique du Nord et Sud, l'Amérique latine et centrale ont été la source d'inspiration de Tropi-cléa (2017-2020-2022), trois EP qui, dans la vague tropicaliste, ont trempé plus que leurs pieds, marquant ainsi, en période de post-confinement, un grand désir d'évasion. Entre ces projets, sort le LP Nuits sans sommeil (2019), un classique instantané qui porte très bien son nom, tant Cléa semble ne jamais s'arrêter... d'écrire, de composer, de chanter ou de danser. Mixé par Stephane ALF Briat, l'homme aux doigts d'or qui s'est occupé aussi bien de Phoenix, de Bonnie Banane, de Air que de Flavien Berger, Advitam Aeternamour, le troisième LP de Cléa Vincent, prouve encore que sa musique est en perpétuel renouvellement. L'artiste y prend des risques tant à travers la quête d'astuces sonores que dans les thèmes abordés : le coming out, l'inceste, le deuil... Et de rester une grande romantique ; il n'y a pas à rougir d'être fleur bleue. Cléa y interprète des chansons aux «explicites lyrics», mais à l'envers : plutôt que d'employer des paroles dures et crues, elle fait vibrer ses mots doux et bleus - avec le risque de choquer les oreilles les moins sentimentales.

 

Perle Lama de retour avec son troisième album plein de hits tropicaux Accumulant les singles et les hits aussi bien aux Antilles que sur les scènes afro-caribéennes aux USA, avec plus de 5 singles déjà classés dans les tops de Tropiques FM et Latina ; Perle revient avec cet album, le premier en 10 ans. Du zouk, de la trap, du kompa, des chansons d'amour plus acoustiques, cet album gorgé de singles va ensoleiller l'année 2024.

Destiny, le chef-d'oeuvre posthume de Lee "Scratch" Perry, conçu aux côtés de Bob Riddim Cet album est un voyage transcendant à travers l'héritage et l'avenir du reggae. Avec les échos soulful d'Evie Pukupoo, le lyrisme révolutionnaire de Kabaka Pyramid et l'infusion néo-roots de Xana Romeo, l'album marie les traditions emblématiques au son et aux voix modernes du reggae. Parmi les points forts de l'album, citons également la collaboration de Blvk H3ro, Leno Banton et Wayne J sur "Ring Pon My Finger", ainsi qu'un clin d'oeil à la royauté du dub avec le mélodica d'Addis Pablo sur "Infinity" (Dub). Destiny témoigne de l'influence indélébile de Perry sur le paysage musical jamaïcain et mondial.

Le partenariat créatif entre Tiga et Hudson Mohawke exprime un amour mutuel pour la "romance hardcore", un état liminal où les frontières entre l'euphorie, la mélancolie et la puissance brute de l'amitié se désintègrent complètement. Enregistrés à Los Angeles de 2019 à 2023, ces points communs ont fluctué à travers diverses sessions d'enregistrement, aboutissant à leur premier album - L'Ecstasy. Conçu à l'origine comme un projet rave hardcore axé sur la catharsis aux yeux larmoyants à 6 heures du matin, l'ampleur du projet s'est élargie pour englober leur amour commun pour la musique entourant le rave-biome des années 90, avec une ambiance chill-out quasi-IDM. Avec des apparitions de sommités comme Abra, Channel Tres et Jesse Boykins III, ainsi qu'un artwork utilisant une photographie du géant Wolfgang Tillmans, lauréat du prix Turner, le résultat est livré avec deux amis produisant le genre de musique qu'ils veulent entendre.

"Hyperdrama", le nouvel album de Justice. Inclus "Generator" & "One Night / All Night" feat. Tame Impala.

Le groupe de rock multi-récompensé aux Grammy Awards dévoile son 12ème album studio, 'Ohio Players'. Tout en créant 'Ohio Players', un titre inspiré du légendaire groupe funk du même nom, les Black Keys organisaient également des soirées dans des villes du monde entier qu'ils appelaient " record hangs ", jouant des 45 tours à partir de leur propre collection. "L'esprit de ces fêtes a imprégné l'ADN de l'album" déclare Dan Auerbach. Le premier single 'Beautiful People (Stay High)' a notamment été écrit avec de Dan The Automator et Beck. L'album comporte également la participation de Noel Gallagher, Greg Kurstin et bien d'autres.

Le blues est une musique de tous les temps - passé, présent et futur - et peu d'artistes illustrent simultanément ces multiples moments temporels du genre comme le bluesman du Mississipi Cedric Burnside. Mascot Provogue Records est fier d'annoncer la signature du dernier album studio du bluesman Cedric Burnside, lauréat d'un Grammy award. Pour Cedric Burnside, "Hill country love" est le point culminant d'une carrière qui a déjà été marquée par des réalisations étonnantes et qui ne cesse de croître. Lorsque Cedric Burnside s'est préparé à enregistrer " Hill country love", la suite de son album "I be trying", récompensé par un Grammy award en 2021, il s'est installé dans un ancien bureau d'avocat situé dans le comté de Tippah. C'est une ville de 5 000 habitants connue pour être le berceau du style Hill country blues. Les quatorze chansons du disque ont été terminées en deux jours, mais en plus d'être satisfait du son, Burnside estime que son onzième album représente un véritable progrès créatif. Petit fils de RL Burnside, Cedric poursuit avec ferveur l'héritage familial du blues !

Sur le quatrième album de Khruangbin, A La Sala, le groupe fait son retour afin d'aller plus loin, et le faire selon ses propres termes. Il perpétue le mystère et le caractère sacré qui forment la clé de l'approche de Laura Lee Ochoa (basse), Donald "DJ" Johnson, Jr. (batterie) et Mark "Marko" Speer (guitare). Si Mordechai (2020), le dernier album de Khruangbin en solo, était un disque festif qui a renforcé la réputation du groupe dans le monde entier, A La Sala représente le lendemain de fête plus mesuré. C'est un disque magnifiquement aéré, réalisé avec Steve Christensen, l'ingénieur de longue date du groupe, avec un minimum d'overdubs. A La Sala réduit la portée de Khruangbin afin de l'augmenter, une stratégie créative qui regarde vers l'avenir. Une cascade de mélodies croustillantes émane de la guitare électrique à forte reverb, dansant doucement autour des triangles de basse minimalistes presque dub, tandis que la batterie sert de piste de danse inébranlable sur laquelle tout ce mouvement se déroule. Les touches sonores de Khruangbin - qu'il s'agisse de bande-sons western spaghetti, de discos d'Afrique de l'Ouest, de fantaisies G-funk ou même de sons ambient - sont des caractéristiques ancrées, ce sont leur identité. Unique et énorme, ambitieux et motivé.

Dans Mirror Image, Echo Collective continue d'explorer la musique classique contemporaine et expérimentale, associée à des paysages sonores captivants et hypnotisants. Cet album rassemble des recherches acoustiques menées dans des environnements immersifs : 4DSound au Monom à Berlin, DNB Soundscape au CCHasselt en Belgique, et Wave Field Synthesis avec la compagnie de danse AOI à Chatham au Royaume-Uni. Inspiré par ces nouveaux outils technologiques, Echo Collective a donc enregistré Mirror Image dans un mélange éclectique d'espaces acoustiques célèbres et inspirants : une bibliothèque historique à Ravenne en Italie, une église dans la campagne de l'enfance de Margaret, La Savonnerie à Bruxelles, Dada Studio à Bruxelles, et à la maison. Niché quelque part dans Berlin, le studio d'enregistrement Monom est comme un extraordinaire refuge transportant vers une autre dimension ceux qui viennent y faire infuser leurs inspirations. À l'abri du monde, quarante-huit moniteurs à la précision d'orfèvre saisissent le son de telle sorte qu'il circule en boucle. Comme au cinéma, le système est immersif. "C'est une sensation d'écoute extraordinaire. On a l'impression de voyager sans trop savoir où l'on est. Tous nos sens sont aux aguets", notent Margaret Hermant et Neil Leiter. Il y a quelques mois, les deux membres fondateurs du Echo Collective ont fait étape au Monom le temps d'une résidence. Très vite, les ébauches de mélodies néo-classiques ouvragées au moyen du matériel unique mis à leur disposition sont devenues de puissantes compositions. Il y avait là quelque chose d'une épiphanie. "Nos idées ont pris les contours d'un projet fondateur à deux. Tout ce que l'on avait fait ensemble jusque-ici semblait se rassembler", disent les deux amis. C'est donc là, à Monom, qu'est née l'histoire de Mirror Image, le premier EP d'Echo Collective. Un disque comme un précipité initiatique, à la croisée de tout ce qui a été vécu et de tout ce qui mérite d'être exploré. Au départ, dans l'histoire d'Echo Collective, il y a l'éminent Conservatoire royal de Bruxelles, en Belgique. Disciples passionnés et brillants, Margaret Hermant et Neil Leiter apprennent le détail de la grande musique classique, celle des maîtres et des orchestres de chambre à quatre ou à cinq. La Belge joue de la harpe et du violon tandis que l'Américain, expatrié à la suite d'un échange universitaire, manie l'alto. Au sortir de leurs études, les deux jeunes gens intègrent logiquement des ensembles traditionnels. Mais chemin faisant, au gré des rencontres et des défis, ils font subitement la découverte d'une vie: le néo-classique. Avec ces accords, les possibilités semblent infinies. Le son prend de la chair, il se déploie comme s'il cherchait à répéter les accents du dehors, dans la nature. Tout est plus aérien, plus symphonique et plus émouvant, à la manière des bandes originales de film. "C'est totalement différent du langage codifié de la musique classique. On n'est pas cantonné par un instrument. On compose ce que l'on veut composer. Le néo-classique est une musique de la liberté", précise Margaret Hermant. À la faveur de cette nouvelle envie, les deux camarades du conservatoire se rapprochent pour finir par devenir Echo Collective. En 2012, ils collaborent sur scène avec le duo, pionnier du genre, A Winged Victory For The Sullen, composé des célèbres Dustin O'Halloran et Adam Wiltzie. De nouvelles associations suivront par la suite aux côtés d'autres figures de la catégorie comme Johann Johannsson et Daniel O'Sullivan. En 2018, Margaret Hermant et Neil Leiter, tous deux amateurs et musiciens de rock à leurs heures perdues, se font aussi remarquer pour leur réinterprétation du Amnesia de Radiohead. Deux ans plus tard, ils sortent leur premier album, The See Within. "Avec Mirror Image, on a travaillé comme jamais on ne l'avait fait auparavant. À Berlin, on a produit des sons qui jetaient les bases de nouvelles compositions. Pour enregistrer celles-ci, on a ensuite choisi différents endroits, selon l'ambiance et les acoustiques que l'on voulait", détaille Neil Leiter. Ainsi, la mise en boîte de l'EP a ressemblé à un drôle de jeu de piste, des vieilles pierres d'une abbaye située dans le village natal de Margaret Hermant, en Belgique, à un studio aux pédales magiques en Angleterre, en passant par le plafond haut comme un ciel d'une bibliothèque de Ravenne, en Italie. C'est d'ailleurs dans ce dernier endroit, au beau milieu d'un décor de fresques et de poutres centenaires qu'Echo Collective a enregistré d'une traite, au bout d'une improvisation de quelques minutes, le fameux "Dante", titre phare de l'EP. "C'était une question de moment, d'énergie, de création", dit Margaret Hermant. Porté notamment par la dentelle de la harpe, Mirror Image paraît pousser le son, son écho et ses harmonies vers des territoires jusque-là inexplorés, comme si tout était contrôlé par une extraordinaire console modulaire. Des effets qui donnent à imaginer un univers à la fois intime et expansif, organique. "On dirait une juxtaposition des mondes de la ville et de la nature", résume la paire d'Echo Collective. Première sortie sur naïve - une "fierté pour l'éclectisme historique que représente le label" selon Echo Collective - Mirror Image donnera lieu à une tournée à travers l'Europe. Aux côtés de l'ingénieur du son Fabien Lesieur, maître d'oeuvre de l'EP, les deux membres du duo se présenteront dans une mise en scène inédite : avec leurs instruments et leurs machines, ils seront entourés par le publique Un dispositif qui pourra investir des studios, des théâtres et d'autres endroits particuliers afin de rendre compte au mieux du tourbillon enivrant de leur musique. Pour que l'on se laisse happer tout entier par leur nouveau monde.

Mark Knopfler est de retour avec "One Deep River", un album où poésie moderne résonne avec mélodies de guitare affûtées pour créer un flot ininterrompu de classiques en devenir. Le titre de l'album fait référence à la rivière du Tyne qui traverse Newcastle, ville dont est originaire Mark Knopfler, comme le signe qu'il puisent dans toute une vie d'influences à la croisée des genres, dans le blues, le folk, le rock et bien au-delà. One Deep River a été produit par Mark Knopfler et son collaborateur de longue date Guy Fletcher et a été enregistré dans ses studios de British Grove à Londres. Le groupe comprend Mark Knopfler à la guitare, Jim Cox et Guy Fletcher aux claviers, Glenn Worf à la basse, Ian Thomas à la batterie et Danny Cummings aux percussions, Richard Bennett à la guitare et le nouveau venu Greg Leisz à la pédale et au lap steel ; Mike McGoldrick joue du sifflet et des uilleann pipes, et John McCusker du violon, tandis que les soeurs Topolski, Emma et Tamsin, assurent les chants d'accompagnement.

Drahla fait un retour très attendu avec son deuxième album stupéfiant, angeltape, offrant un monde intriguant que le public peut explorer en évitant les structures mélodiques conventionnelles et en embrassant l'incertitude. Leur nouvel album donne un aperçu sans fard de la période de transition difficile dans laquelle le groupe s'est retrouvé après la sortie de leur premier disque, Useless Coordinates, en 2019. Le groupe a élargi son son avec le guitariste Ewan Barr qui a rejoint la chanteuse et guitariste Luciel Brown, le bassiste Rob Riggs et le batteur Mike Ainsley. Leurs expériences récentes de perte et de deuil - collectives et individuelles - culminent dans un son considérablement plus sombre et tonalement plus complexe et conceptuel dans son essence. La participation d'Ewan Barr aux arrangements viscéraux de Drahla a marqué un changement significatif dans la dynamique du groupe, modifiant la façon dont ils abordent leur production angulaire. L'interaction exaltante entre les riffs de basse et les rythmes de batterie fournit un contraste captivant avec le discours mélodique de Luciel. L'atmosphère enveloppante qui émane du quatuor est rehaussée par les accompagnements au saxophone de Chris Duffin, collaborateur de longue date.

En tibétain, KYAB YUL-SA signifie " La terre de l'exil, des exils, et de leurs résonances " Initié en 2015 par l'artiste tibétain Lobsang Chonzor (voix, luth tibétain dranyen, tympanon gyumang), coeur battant de cet ensemble singulier, le trio KYAB YUL-SA puise son identité dans la musique tibétaine traditionnelle. Ici, Lobsang Chonzor s'associe à Margaux Liénard, violoniste et bouzoukiste porteuse d'influences musicales scandinaves et nord-européennes, & Julien Lahaye, rôdé au jeu savant de la rythmique persane. Ensemble, ils transcendent les fondements de la musique tibétaine traditionnelle en lui apportant des arrangements nouveaux, inspirés de langages musicaux qui se répondent et s'enrichissent.... SUR LEUR TERRE COMMUNE QU'EST LA MUSIQUE, LES MUSICIENS OFFRENT À LA TRADITION TIBÉTAINE UN RENOUVEAU MUSICAL AU TIMBRE MÉTISSÉ ET UNIQUE... Après Résonance d'Exil(s) / album 2017, KYAB YUL-SA poursuit son chemin créatif avec Murmures d'Himalaya : un répertoire inédit en forme de voyage qui retrace le parcours de Lobsang Chonzor, de son enfance tibétaine à son exil, en passant par ses inspirations tant musicales qu'humaines.

Conan Gray, la superstar mondiale de la pop acclamée par la critique, est de retour avec son troisième album studio, "FOUND HEAVEN", très attendu, qui comprend les singles "Never Ending Song", "Winner", "Killing Me" et "Lonely Dancers". Conan Gray règne sur une nouvelle ère et un nouveau son magnétiques en exprimant son authenticité et son originalité indéniables à travers son art.

Dez Dare est un artiste garage-rock basé à Brighton, né en Australie. Fin apporte plus de synthés et de bruits dans l'équation tandis que Dez rumine les grandes questions existentielles du jour comme le darwinisme inversé et les gens ennuyeux.

Nicolas Peyrac déclare à propos " D'Ici et d'ailleurs " : " L'album des Moody Blues Days of Future passed m'avait profondément marqué par la force de ses chansons, et surtout parce qu'il n'y avait aucun temps mort, aucun arrêt entre les chansons, les passages instrumentaux et les textes parlés, et j'avais sûrement toujours cette idée dans la tête au moment où la femme de Philippe Lefèvre, un génial musicien de World musique m'avait envoyé trois de ses albums... J'ai décidé de le rencontrer pour lui dire à quel point j'aimais son univers, ses compositions, ses arrangements, et j'ai su que si j'en avais l'envie, ce serait avec lui que j'essaierais de faire un album concept dans l'esprit de celui des Moody Blues que j'avais tant aimé. Idée de fou peut-être, mais un certain nombre d'autres fous ont relevé le pari avec moi, qu'il s'agisse de mes musiciens, de Bruno Dupont, l'ingénieur du son et patron du studio du Bras d'or à Boulogne-sur-Mer, ou des invités, Benabar, François Morel, François Berléand, mes deux filles, ma femme et bien sûr les musiques envoûtantes de Philippe Lefèvre pour faire la liaison entre nos univers. Il nous aura fallu un an mais une fois l'ordre des titres défini, ce n'était plus qu'une question d'essais, de durées, de placement. Je suis parti peaufiner l'album au studio du Bras d'or ave des vraies batteries et de beaux orgues Hammond qui ont apporté une chaleur et un grain indispensables. Ce disque pourrait à lui seul résumer mon chemin d'écriture musicale et littéraire et c'est aussi un vrai partage d'émotions et d'envies autour du thème de la tolérance, du sauvetage, d'une planète en péril, des droits de l'homme et de la paix. Un album qui n'existe que grâce à la confiance absolue de personnes que j'aime profondément.". Nicolas Peyrac sera en tournée à cet automne pour défendre ces titres sur scène et raconter, et dire pourquoi ces chansons ont vu le jour...

Le nouvel album de l'une des voix les plus excitantes de la Jamaïque ! Depuis ses débuts en enregistrement en 2010, les fans ont vu (et entendu) la progression de l'héritier du reggae à la couronne de Beres Hammond et de Dennis Brown avant lui, le plus grand chanteur du genre et interprète des émotions en chanson. A l'ère des chanteurs, Romain Virgo s'impose comme l'un des talents les plus purs et les plus grands de la Jamaïque. Son nouvel album, The gentle man, marque un tournant dans la carrière et l'ascension de Romain comme porte-drapeau des racines du reggae r&b et soul. Romain et son collaborateur Nicholas Nikko Bronwe ont développé l'album avec des contributions notables des producteurs ; Donovan "Doncorleon" Bennett, Phillip "Winta" James et Maurice "Seani B" Delaunay. Les invités de l'album incluent Jesse Royal, la légende du dancehall Capleton, la star des afrobeats Patoranking et la super star du dancehall Masicka. L'album est un voyage à travers la vie créative de l'artiste, de l'interprète et de l'homme doux. "The gentle man" est le 4ème album et une nouvelle étape naturelle pour le jeune artiste. Connu des fans comme une "vieille âme", ses paroles et l'impact émotionnel de sa voix vont au-delà de ses années et montrent la parenté aux grandes ballades du r&r/reggae. Rentré dans l'histoire en 2007, comme le plus jeune gagnant, à 17 ans, du télé crochet Digicel rising stars (équivalent de la Nouvelle star ou de X factor), Romain Virgo n'a cessé depuis de confirmer son fort potentiel. Chanteur timide à la voix pure et soul, aux textes lovers ou réalistes, il a gagné sa place au sein de la première ligue de la musique jamaïcaine avec les hits, Can't sleep et Who feels it knows it. Le public jamaïcain apprécie particulièrement son goût pour le style lover et soul à l'ancienne, où il est paradoxalement à l'aise malgré son jeune âge. On le compare volontiers à Sanchez, la fraîcheur juvénile en plus et lui-même cite parmi ses influences Alton Ellis ou Beres Hammond. Romain Virgo fait aussi ses classes sur scène, aux festivals Rebel salute et Reggae sumfest 2009 ou dans les soirées de rue (Passa Passa, Weddy Weddy). Signé chez VP Records, il sort son premier album "Introducing... Romain Virgo" à l'été 2010 et s'offre une mini tournée promotionnelle aux Etats-Unis et un premier passage en Europe. Les choses sérieuses commencent à l'automne lorsqu'il accompagne Capleton dans sa tournée américaine. Depuis, il est passé par la France, et risque d'y revenir pour présenter ses nouveaux morceaux...

Light verse est le septième album de Sam Beam alias Iron & Wine, icône de l'indie-folk, et le cinquième pour Sub Pop Records. Il a été enregistré avec l'ingénieur et mixeur Dave Way à Laurel Canyon avec une foule de musiciens talentueux : Tyler Chester, Sebastian Steinberg, David Garza, Griffin Goldsmith, Beth Goodfellow, Kyle Crane, et Paul Cartwright. Fiona Apple rejoint également Iron & Wine au chant pour le duo "All in good time". Sam se concentre une fois de plus sur une série de récits fictifs et personnels, remplis de personnages désespérés et d'optimistes aux yeux grands ouverts, offrant des promesses et une dose de chagrin d'amour, de larmes et de rires, de vie et d'amour. S'il est vrai qu'il s'agit peut-être du disque le plus enjoué d'Iron & Wine, Sam explique que le titre reflète surtout la façon dont les chansons sont nées dans la joie après la gravité et l'anxiété de la pandémie. Alors que des albums récents comme Beast Epic ou Weed Garden laissaient transparaître l'inquiétude face à la fragilité de l'âge adulte, ces chansons l'échangent contre la perspective que celui-ci peut apporter. A chaque instant, elles se réjouissent d'être pointilleuses ou ridicules (ou les deux) et tentent de faire passer la beauté avant la coquetterie.

Après le succès de ses quatre derniers projets et 4 Grammy Awards dont Album de l'année en 2020, le groupe Vampire Weekend présente son nouvel opus Only God Was Above Us. Largement inspiré par New York et enregistré à travers le monde entier (NY, LA, Londres, Tokyo), l'album est selon le chanteur Ezra Koenig sa propre version de " Dark Side of the Moon rencontrant Paul's Boutique ". Il a été produit par Ezra Koenig et son collaborateur de longue date Ariel Rechtshaid. Only God Was Above Us évoque des thèmes universels : l'envie de remettre en question le monde dans lequel nous vivons, la quête d'une paix qui ne peut être trouvée que par l'acceptation. L'album est à la fois aussi direct et complexe que tout ce que le groupe a sorti jusqu'à alors, aussi beau et mélodique que jamais, et montre Vampire Weekend à son meilleur. Le titre est tiré directement de la pochette de l'album, qui est une photo prise par le photographe Steven Siegel dans un métro fantôme du New Jersey en 1988.

Ne dites plus blues comorien ni rock de l'océan Indien : Eliasse est Zangoma ! Ce concept musical créé par Baco, célèbre musicien comorien, vient nommer la rencontre des musiques occidentales et des musiques comoriennes et indo-océaniques. Son rock zangoma, Eliasse le créer en mélangeant le rock, le blues, la folk aux rythmes typiques de son archipel et plus largement d'Afrique. Du twarab au mgodro, du maloya à l'afrobeat, le rock zangoma dévoile son visage pluriel. Sa base est le tambour (ngoma) et le rock percussif d'Eliasse revendique cette bannière commune et hybride ! Avec son troisième album, éponymement intitulé Zangoma (Soulbeats Music), Eliasse et son power trio promettent à nouveau de vous livrer du groove : batterie puissante de Fred Girard, guitare rugissante d'Eliasse, basse chaloupante de Jérémy Ortal et mille nuances de voix... Bref : l'océan Indien danse le rock Zangoma !

Depuis son premier single "Muscles" en 2012 à son nouvel album Nini, en passant par de nombreuses collaborations (Sabrina Bellaouel, Chassol, Varnish La Piscine, Hubert Lenoir, etc...), l'autrice compositrice interprète Bonnie Banane traverse le paysage musical français d'une allure qui n'appartient qu'à elle. Avec un brio alchimique, elle s'attache à réconcilier les réalités les plus opposées : la mort froide, la passion brûlante, et tous les entre-deux timides à qui peu de chansons sont dédiées. Inspirée de ce qui l'entoure, sa propre histoire et celles des autres, entre la poésie surréaliste de Brigitte Fontaine et le gospel de D'Angelo, elle cultive l'art d'être énigmatique, sexy et farfelue. Nourrie de la vie, sa musique y retourne : sur scène, c'est entre l'exubérance du clown et la dignité des pleureuses qu'elle nous apprend à danser avec le doute, rire avec le sombre, formant la bande originale inattendue de nos vies. Avec son deuxième album, Nini, Bonnie s'applique d'une manière nouvelle à l'art délicat de faire ce qui lui plaît. Elle choisit d'étendre plus largement le spectre, trouvant sa propre signature dans le plus décomplexé des éclectismes.

Avalanche Kaito c'est la combinaison exaltante du griot urbain Kaito Winse, né au Burkina Faso, et de ses collègues expérimentateurs, le guitariste belge Nico Gitto et le batteur/producteur français Benjamin Chaval. Ce trio transnational d'avant-rock a créé des vagues avec son premier album viscéral sorti en 2022, s'attirant des apparitions notables dans des festivals (Supersonic, End of the Road), une session sur KEXP et un enthousiasme bien mérité de la part de la critique et du public. Leur nouvel album, Talitakum, est plus profond et plus varié sur le plan sonore, révélant une énergie et un poids spirituel qui ont sans aucun doute émergé des tournées incessantes du groupe. Les concerts sont en effet révélateurs, se transformant avec une intensité et une cohésion inattendues. C'est un son saisissant et changeant qui passe librement des anciennes traditions griottes au thrash à plein régime (avec de nombreux arrêts entre les deux). Futurisme polyrythmique, épiphanies brutes, paraboles burkinabées. Un rituel de bruit extatique.

Le premier album d'Ana Lua Caiano mêle les traditions musicales rurales portugaises à des voix superposées, des synthétiseurs, des rythmes insistants et des enregistrements de terrain. Sa musique est viscérale et étroitement ciblée, puisant dans une riche mosaïque d'influences qui comprend le chant de groupe traditionnel, la musique concrète, les auteurs-compositeurs de la période révolutionnaire des années 70 au Portugal et des icônes électroniques comme Bjork et Laurie Anderson. C'est de la musique électronique. Tout à fait contemporaine. Pulsée, glitchée, atmosphérique et rythmée, mais aux racines plongées dans la musique traditionnelle portugaise que ses parents écoutaient lorsqu'elle était enfant. Issue de l'underground musical fertile de Lisbonne, la musique d'Ana Lua Caiano - et sa réception internationale - progressent rapidement. Ses récentes prestations à Eurosonic et aux Transmusicales en témoignent, tout comme les émotions tranchantes et les sonorités très individuelles de son premier album très attendu : Vou Ficar Neste Quadrado.

Après des débuts en duo puis un premier album solo applaudi par la critique, Cannibale (2018), Calypso Valois a tourné dans toute la France, oeuvré dans différents projets créatifs, notamment au cinéma et derrière les platines, où elle officie comme DJ depuis plusieurs années. Elle venait de se plonger dans ce qui allait devenir son second album lorsque la pandémie l'a interrompue. Mélodies baroques, textes ourlés, réalisation élégante. Laquelle est d'ailleurs assurée par Yan Wagner, qui avait déjà oeuvré sur Cannibale. L'intuition fut bonne : il déploie toute l'ampleur des 10 morceaux d'APOCALYPSO. Frontal, ainsi que l'envisageait Calypso, qui assume de placer sa voix au coeur de ses compositions ultra abouties, et d'une écriture qu'elle incarne plus que jamais. Façonnée à l'aune d'un romantisme total, sans compromis et profondément excitante, la pop magnétique de Calypso Valois est autant mémorable qu'allergique aux tendances. Qu'importent les épreuves et les défaillances, dansons, qu'on le veuille ou non - à la vie, à la mort. À l'amour.

Le quatrième album studio de Mount Kimbie, The sunset violent, est né dans le sillage de Love what survives en 2017 et marque un important moment de boucle pour le groupe, qui revient à la formation classique groupe (Dominic Maker, Kai Campos, Andrea Balency-Béarn et Marc Pell). The sunset violent a été réalisé sous le ciel vide du désert américain, où Kai et Dominic se sont installés pour un mois. Une ville qui n'a pas grand-chose à offrir à part quelques saloons, un bassin avec une histoire de prétendues observations d'ovnis et une sélection de stations de radio country locales finit par donner naissance à un nouveau disque de Mount Kimbie qui renvoie à une époque où la guitare était le fer de lance de la tapisserie sonore du groupe. Sur The sunset violent, un album qui marque les quinze ans de Mount Kimbie, il est clair que l'étincelle créatrice n'est pas près de s'éteindre.

Caleb Landry Jones, artiste énigmatique aux multiples talents, sort son quatrième album très attendu, Hey Gary, Hey Dawn, sur le prestigieux label Sacred Bones. Réputé pour être un multi-instrumentiste produisant des oeuvres cinématiques complexes à la limite du prog, Caleb innove en mettant délibérément l'accent sur la performance live pour ce nouvel album. Il a en effet intentionnellement conçu Hey Gary, Hey Dawn en pensant à la scène, un élément jusqu'alors absent de sa carrière musicale. C'est son disque le plus intense à ce jour, et bien qu'il soit souvent réticent quant à ses influences directes et réfractaire aux catégorisations, il tisse une tapisserie sonore qui fait allusion à des éléments punk et grunge au sein de ses symphonies kaléidoscopiques si caractéristiques. Même si ces chansons sont les plus succinctes qu'il ait écrites, elles sont tout sauf simples. Plus de 20 musiciens, dont un quatuor, ont contribué à l'album, ajoutant des couches de profondeur et de complexité à cette collection dynamique qui traverse sans heurt une multitude de genres. Hey Gary, Hey Dawn témoigne de l'évolution artistique de Caleb Landry Jones, démontrant sa capacité à repousser les limites tout en conservant une qualité distincte et indescriptible. Pour les fans de Drugdealer, Tim Presley, Wand, Cate Le Bon, Captain Beefheart, King Gizzard & the Lizard Wizard, The Residents.

Le plus personnel des concertos pour violonAprès Berg, Schoenberg, Bartók ou encore Stravinsky, Isabelle Faust aborde aujourd'hui Britten avec Jakub Hrusa et l'Orchestre de la Radio Bavaroise, révélant un visage peu connu du compositeur britannique. Ce concerto au langage extrêmement personnel conjugue le drame avec l'humour, le sérieux avec la satire, dans une bouleversante profondeur émotionnelle. Des pages chambristes de jeunesse complètent le programme.

A être de partout, dans toutes les formes d'expression, tous les recoins d'une palette XXL, forcément son nom vous est connu, un peu, beaucoup. Parfois passionnément car qui le connaît ne peut que définitivement le suivre, l'adopter. Poète, chanteur, peintre, musicien, aussi biographe et directeur de collections, ce Géo Trouvetou du verbe, du pinceau et de la note, à la tignasse indomptée façon Gilles Vigneault, est d'un autre monde que le nôtre, observateur iconoclaste qui traduit sa perception, son ressenti, dans les formes d'un art bien peu conventionnel. Cet explorateur de chemins de traverse a mis la vie (la sienne, les nôtres) sur d'autres rails. Voici sa dernière production : un reliquat exhumé du passé qui porte en lui la quintessence de son acide désoxyribonucléique (en français de la rue : son ADN), résumant à lui seul toute une vie d'inventivité et de malice, dont les vers grouillants trouvent leur équivalent, leur correspondance, dans l'oeuvre protéiforme de ce drôle de bonhomme.

A l'occasion de ses 50 ans, le légendaire groupe de métal Blue Oyster Cult sort son dernier album tant attendu ! Après avoir célébré leur cinquantième anniversaire, Blue Oyster Cult se prépare avec enthousiasme à inaugurer un nouveau chapitre passionnant de leur carrière avec la sortie imminente de "Ghost stories". Cet album très attendu marque la conclusion de l'héritage discographique de ce groupe culte ! Blue Oyster Cult s'apprête à ravir ses fans avec une collection de chansons réimaginées et nouvellement finalisées, couvrant la période de 1978 à 2016. Ces trésors musicaux, depuis longtemps considérés comme des "joyaux perdus" par les admirateurs de Blue Oyster Cult, ont été enregistrés entre 1978 et 1983, à l'exception d'un titre datant de 2016, "If I fell". L'album comprend également le seul enregistrement studio connu de leur reprise de "Kick out the jams" de MC5. Une partie des chansons provient de sessions d'enregistrement pour un album, tandis que d'autres sont issues de répétitions de concerts. Toutes ont été enregistrées dans l'espoir qu'elles voient le jour à un moment donné.

 

"Sun without the heat", le vibrant cinquième album de Leyla McCalla Née à New York de parents haïtiens militants, Leyla McCalla puise son inspiration dans son passé et son présent, créant une musique vibrante reflétant trois siècles d'histoire et des influences mondiales. Maîtrisant le violoncelle, le banjo ténor et la guitare, elle offre un son distinctif mêlant ses racines et son expérience. Membre fondatrice de Our Native Daughters et ancienne membre du groupe Black string The Carolina Chocolate Drops, McCalla sort son cinquième album, "Sun without the heat", mêlant joie et douleur dans une exploration musicale d'influences afro-diasporiques. Son album précédent, "Breaking the thermometer", est salué par la critique pour son engagement social et musical. McCalla, actuelle Artiste en résidence à l'Université de Richmond, continue d'explorer les mutations possibles de sa musique.

Rita Strohl, compositrice cosmique ! " Elle a donné un langage aux abstractions les plus sublimes, habillé d'une chair orchestrale le feu et l'eau, suggéré par le son les mouvements de l'atome et de la sève. " Carlos Larronde, " Rita Strohl musicienne cosmique " (Le Soir, 6 mars 1931) Avec Les Cygnes et la Symphonie de la Forêt, Rita Strohl cherche une forme de communion avec la nature, un tournant décisif vers une écriture musicale plus symboliste et une spiritualité grandissante qui la conduira plus tard à la composition de grands ouvrages lyriques et mystiques comme Yajnavalkya.

La légende britannique de Doom/Death Metal est prêtes à déployer "A Mortal Binding", son 15ème album. Le quintet présente un groupe remanié, composé deNeil Blanchett, guitariste désormais permanent, et le retour du batteur Dan Mullins. My Dying Bride a de nouveau fait appel au magicien Mark Mynett, pour la production, le mixage et le mastering. Le résultat est une splendeur identitaire.

Dialogue inédit entre l'une des autrices les plus talentueuses de la chanson réunionnaise contemporaine et un producteur phare des sons populaires 974. Dans sa nouvelle aventure qui s'annonce bagarreuse, Maya Kamaty fait équipe avec l'un des grands architectes du son très actuel qui s'épanouit depuis plusieurs années dans les rues de La Réunion, le producteur, compositeur et chanteur Sskyron. Nourrie par l'envie d'en découdre avec l'époque en répondant à sa violence par une insolence turbulente et tapageuse, elle trouve un exutoire idéal dans ce rapprochement passionnant avec les grooves saccadés de la nouvelle street- créolité. L'heure n'est plus aux bonnes manières, et voilà donc Kamaty qui déboule dans le ring populaire et nerveux des musiques urbaines.

La Balade Sauvage est le 7ème album de Nicolas Paugam. Composé de 11 nouvelles chansons, il fait suite à " La Délicatesse ", album doux et en apesanteur et pourrait être son frère jumeau débraillé s'opposant à son double par la nécessité vitale de ne pas ressembler. Il fait ainsi la part belle aux guitares électriques, signant aussi le grand retour des batteries acoustiques et des arrangements en strates. Ce style, déjà élaboré dans Mon Agitation (2015) ou Le ventre et l'estomac (2019) est ici remâché, cannibalisé dans un album qui porte haut la bannière de la chanson française décomplexée. Dans ce travail d'orfèvre, ses influences vont des Tropical Fuck Storm à Jimi Hendrix, de Tom Zé à Os Mutantes en passant par le francophone Louis-jean Cormier ou l'éternel Georges Brassens repris ici dans une cover très bluesy de Bécassine. L'écriture est très souvent poético-politico-sarcastique comme dans ce paradis terrestre et poulailler gris " qui confronte la vie de château à St Tropez à la misère à Calais. Et que dire de la grinçante chanson dans ton thé qui regarde d'un œil moqueur l'Angleterre des colonies ?

L'artiste new-yorkaise Kelly Moran dévoile son deuxième album pour Warp Records, "Moves in the Field". Compositrice accomplie et très recherchée, Kelly Moran a collaboré avec des artistes tels que Oneohtrix Point Never et FKA Twigs dans le cadre de leurs ensembles live. En tant qu'artiste solo, Moran a développé une gamme unique de compositions expérimentales pour piano dans une discographie acclamée par la critique. "Moves in the Field" présente des duos avec le Yamaha Disklavier, une version technologiquement avancée d'un piano mécanique. Moran renforce ses capacités pianistiques en utilisant le Disklavier pour écrire des parties de piano complexes qui dépassent les capacités humaines, ce qui donne des compositions à plusieurs niveaux qui brouillent les frontières entre l'homme et la machine. Influencé par la musique classique contemporaine, la musique alternative et la musique électronique, l'album se situe à la croisée de deux mondes improbables.

 

Le combo néerlandais Michelle David & The True-Tones fait un retour triomphal avec leur nouvel album. L'album tant attendu fait suite à leur album "Truth & Soul" sorti en 2022, qui a été nommé l'un des albums de l'année sur BBC Radio 6. Élevée à New York dans une église, Michelle David a commencé à chanter à l'âge de quatre ans et a rejoint son premier groupe, The Mission of Love, quand elle avait cinq ans. Au cours de sa carrière, elle a fait le tour du monde avec la comédie musicale "Mama" de Broadway, a contribué à des spectacles de théâtre à succès tels que "The Sound of Motown", "Glory of Gospel" et "Mahalia" et a enregistré pour des artistes tels que Diana Ross et Michael Bolton. Tout cela s'est produit avant la sortie de six albums gospel acclamés par la critique avec les True-Tones. Michelle David & The True-Tones savent comment organiser une soirée éclatante de soul classique. Avec leurs grooves entraînants, leur voix puissante et leurs mélodies fortes, ils ont déjà conquis de nombreux festivals et clubs.

Le Carnaval du Parnasse, ce nouveau ballet héroïque de Mondonville, par un éblouissant triomphe à sa création en 1749 parvint à en éclipser le Zoroastre de Rameau créé la même année. Dédié à la Marquise de Pompadour, égérie des Arts et favorite omnipotente du Roi, ce carnaval fantasque n'est qu'un délicieux marivaudage : sur le Mont Parnasse, Apollon et ses Muses s'adonnent aux fêtes des sens et divertissements du coeur... Mondonville déploie partout ici une virtuosité prodigieuse, dépeint des couleurs orchestrales inouïes et imagine des danses débridées et de vastes choeurs d'apparat comparables à ceux de ses grands motets. C'est ainsi une redécouverte exceptionnelle qu'Alexis Kossenko, et son ensemble Les Ambassadeurs . La Grande Écurie s'adjoignant l'éminente force vocale du Choeur de Chambre de Namur, restitue avec maestria pour cette véritable réincarnation des fastes de la Cour de Louis XV, alors à son apogée.

Au fil de ses albums, il a souvent flirté avec des arrangements rock/metal, de la chanson "On m'a volé mon nin-nin" sur le premier volume à "Assis soient-ils" dans "Enfantillages 4", en passant par des morceaux comme "Du (très) gros son", "Le p'tit veut faire de la trompette" et "Hyperactif". Aujourd'hui son prochain projet, "Helldebert enfantillages 666", plonge pleinement dans ce style musical auquel il a déjà contribué avec ses premiers groupes, et qu'il affectionne tout particulièrement. "Seum 51", le premier single déjà disponible, est une pièce maîtresse de cet album explosif, une ode à l'énergie rock/métal. Mais ce n'est pas tout ! "Helldebert enfantillages 666" est une invitation à explorer une multitude de thèmes, de la société contemporaine aux sujets plus légers et libérateurs. Aldebert, avec son regard unique et sa plume incisive, sait toucher le coeur des enfants et de leurs parents. En plus de cet incroyable virage musical, "Helldebert enfantillages 666" promet également des collaborations explosives avec des artistes renommés de la scène rock/metal française et internationale. Disponible le 26 avril 2024 en édition au format CD digipack incluant un livret de 24 page et en édition collector CD-livre incluant un livret de 32 pages.

 

 

Nouvelle édition du dernier album au succés international! LAUFEY nous offre avec ce 2nd album la confirmation que tous les espoirs placés en elle dès la 1ère galette sont à la hauteur des attentes! Sa voix enivrante, les ambiances jazzy d'une classe folle, l'orchestration tour à tour intimiste, mise en emphase ou tout simplement touchante font de cet opus une réelle merveille où se mêlent habilement jazz, lounge, pop, classique, le tout sans faute de goût ni défaut. Une pépite Islandaise incontournable, un joyau de pop room comme LAUFEY elle même aime à appeler sa musique, et qui risque fort de devenir une nouvelle sensation.

Mylène Farmer dévoile un album de remixes inédits et audacieux ! Intitulé "Remix xl", cet opus est novateur par l'important travail de rework opéré sur les grands standards de la star iconique. Ce nouvel album est le fruit de collaborations exceptionnelles avec la fine fleur de la scène électro comme Feder et The Magician, mais aussi des artistes plus surprenants tels que Théo Hutchcraft (Hurts) et David Lynch. L'artiste a réenregistré sa voix en studio sur certains de ses titres phares, sublimée par des rythmes électro envoûtants afin d'apporter une nouvelle dimension à son répertoire intemporel.

L'auteur-compositeur de génie est de retour avec un album d'une richesse artistique exceptionnelle. L'artiste le plus mystérieux de la chanson française fait preuve de son indiscutable vitalité créative avec ce nouvel album. Inclus le single à l'efficacité imparable "Comment tu t'appelles".

Abou Tall dévoile un album magistral, inclus ses derniers single " Goodbye ", en featuring avec Aupinard, Réalise et " Dernier train pour Marseille ". Passé de rappeur des Shin Sekaï (avec Dadju) à figure de la bossa nova et de la chanson française, l'artiste brille par son talent, son émotion et une nouvelle direction artistique riche et fraiche. Après les sorties remarquées de ses derniers single " Goodbye ", en featuring avec Aupinard, Réalise et " Dernier train pour Marseille ", qui ont conquis les ondes des radios et télés (Mouv, Ado et Blackbox), Abou Tall nous présente aujourd'hui son projet " Monsieur Saudade ". Abou Tall est un artiste complet qui puise dans de multiples influences musicales pour proposer une vibe unique oscillant entre pop urbaine et bossa nova. Cet album de 12 titres invite au voyage et installe définitivement le chanteur franco-sénégalais dans le paysage de la chanson française. Les arrangements sont soigneusement travaillés et témoignent du souci du détail de l'artiste. La voix d'Abou Tall, et les mélodies de guitare et de trompette créent une atmosphère chaleureuse et immersive, comme dans "Maison Margiela" qui transporte l'auditeur dans un univers sonore riche en nuances. Pour l'accompagner sur cet album, le chanteur a également fait appel au talentueux Monsieur Nov, sur le morceau ultra frais et mélodique " Mauvais Endroit ", ainsi que le compositeur Blackdoe (beatmaker de Tayc, Matt Pokora...). Cet album représente l'aboutissement d'une nouvelle direction artistique pour Abou Tall, qu'il présentera également sur scène au Trianon le 30 avril pour un show unique et participatif.

 

 

Chopin Et Nohant. Nohant était pour Chopin un lieu exceptionnel, en quelque sorte magique, si nous pensons à sa magnifique création née là-bas. Ce hameau entouré de champs qui rappelaient la plaine mazovienne lui apportait le calme nécessaire à la concentration créative, après le labeur obligé avec les élèves et la vie trépidante à Paris, quoique la campagne finisse toujours par l'ennuyer un peu. On ne peut oublier qu'il passa à Nohant 1200 jours dans les années 1839-1846. Ryszard Przybylski a écrit dans son admirable livre Cien jaskolki. Esej o myslach Chopina [L'ombre d'une hirondelle. Essai sur les pensées de Chopin], que Chopin étouffait son hypersensibilité par la vie dans les salons, mais, en fait, au plus profond de son être, "il voulait étrangler l'horreur de l'existence par une sagesse irrationnelle de la mélodie et de l'harmonie", dans son oeuvre, dans la forme de son énonciation sonore. Il ne décrivait dans son art ni les "gazouillements des fauvettes" ni "le chant des rossignols" qui se mêlait à Nohant à sa musique, comme le rapportait Delacroix ni les images de la réalité, mais seulement le drame de son âme qu'il n'exprimait pas par la parole mais qu'il transformait en chef-d'oeuvre musicaux. "Dans la perspective du bicentenaire de la naissance de Chopin, j'ai choisi d'enregistrer l'ensemble de ses oeuvres composées en tout ou en partie à Nohant pendant ses séjours. Ce fut le fruit d'un travail de plusieurs années, entre 2005 et 2008 puisqu'il y a 4 CD au total. Ces enregistrements furent publiés dans un très beau livre dont j'avais proposé la réalisation aux Editions du Patrimoine. Je remercie Georges Buisson qui était l'administrateur de la Maison de George Sand à Nohant ainsi que Dominique Seridji qui dirigeait à l'époque les Editions du Patrimoine. Grâce à eux, ce livre réalisé avec la complicité de Jean-Yves Patte pour les textes et de Claude Darré pour les photos a pu voir le jour en 2009 sous le titre "Les étés de Frédéric Chopin à Nohant, 1839-1846" et réunir ainsi dans un même ouvrage la vie du compositeur à Nohant et les oeuvres qui y avaient vu le jour." Yves Henry.

 

Bernard de Clairvaux, saint, esthète, fondateur de nombreuses abbayes et prêcheur, était un puissant homme d'église et un pionnier du 12ème siècle.L'Ensemble Officium présente un programme de chant grégorien et de polyphonie ancienne à la mémoire de ce Saint controversé. Y sont inclus des chansons de Bernard de Clairvaux et des chorals grégoriens sur des textes du Cantique des Cantiques, qui sont très proches de sa théologie.

Enregistrées dans l'abbaye du Thoronet, voici 8 pièces grégoriennes exceptionnelles interprétées par le soliste Iégor Reznikoff. L'abbaye du Thoronet est réputée pour la qualité du son qui s'échappe sous ses voûtes. Iégor Reznikoff ne pouvait rêver plus splendide partenaire pour redonner vie à quelques unes des plus belles pièces du chant grégorien soliste. Edifiée entre 1160 et 1230, l'abbaye du Thoronet est, avec Silvacane et Sénanque, l'une des trois abbayes cisterciennes de Provence. La pureté et la simplicité des volumes en fait un exemple pour l'architecture contemporaine.

Hadsel est le premier nouvel album de Beirut depuis la sortie de Gallipoli en 2019 et le premier sur Pompeii Records, le propre label de Zach Condon. Enregistré sur l'île norvégienne de Hadsel peu après qu'une crise physique et mentale l'ait contraint à annuler sa tournée de 2019, Zach cherchait un endroit pour se rétablir après avoir été laissé dans un état de choc et de doute. Travaillant dans l'isolement, Zach était perdu dans une transe, trébuchant aveuglément sur un effondrement mental mis de côté depuis son adolescence. C'est arrivé brusquement et ça l'a sonné. Il s'est retrouvé confronté à beaucoup de choses passées et présentes tandis que la beauté de la nature, les aurores boréales et les terribles tempêtes jouaient un spectacle impressionnant autour de lui. Les quelques heures de lumière révélaient la beauté insondable des montagnes et des fjords alors que les longs crépuscules le remplissaient d'une excitation méditative. Zach aime penser que ces paysages sont en quelque sorte présents dans la musique. La collection de chansons qui en résulte reflète magnifiquement cette vulnérabilité, ce sens de l'autodétermination et la conviction qu'après l'effondrement, on peut réapprendre à se débrouiller seul.

Après les succès singles de 'Call on me' (en duo avec Ed Sheeran), 'Keep it simple' (en duo avec Mika), 'Le feu' (en duo avec Kendji Girac) et 'Comment on fait' (en duo avec Zazie), ce plaisir de la création musicale entre artistes qui s'apprécient a tissé son chemin et Vianney sort un nouvel album de 19 titres pour compléter cette collaboration avec 17 artistes différents (Renaud, Big Flo & Oli, Mentissa, Soprano...). Co-écrits et composés ensemble, à 2 à 3 est un album caméléon qui reflète les goûts éclectiques de Vianney et son amour pour la grande variété pop ainsi que les artistes qui l'incarnent.

Gaëtan Roussel, voix légendaire de la scène française contemporaine, est de retour avec un album de duos "Eclect!que". 16 titres pop, rock, variété d'une qualité incomparable, accompagnés d'artistes d'anthologie : Matthieu Chedid, Louane, Soprano, Calogero, Vanessa Paradis, Hoshi, Alain Souchon, Isabelle Adjani, Daniel Auteuil, Lucky Love, Camélia Jordana, Bertrand Belin, Rachid Taha, Renée Scroggins, Rachida Brakni, Adeline Lovo.

Bill Ryder-Jones revient avec son cinquième album, Iechyd Da. Un disque fort, ancré dans l'amour, la perte, la douleur et l'obscurité, mais d'une profonde beauté, pleine d'espoir et de joie. C'est son disque le plus ambitieux à ce jour: magnifiquement produit, d'une grande richesse, tantôt joyeux et grandiose, tantôt déchirant, intime et tendre. Sur le plan lyrique, Ryder-Jones se montre plus honnête que jamais, équilibrant harmonieusement la tristesse avec une beauté stupéfiante, et l'autodérision sournoise avec une douceur palpable.

1er album depuis le départ de leur guitariste Freddie Cowan, ce nouvel opus de The Vaccines marque leur grand retour avec un album superbe, aux ambiances travaillées, à l'énergie hautement communicative et à la production percutante. Ce 6ème opus des britanniques s'annonce d'ores et déjà comme une référence dans leur discographie déjà inestimable. Ayant été promu meilleur espoir de la scène Brit rock, The Vaccines confirment avec cette galette tout le bien que l'on pensait d'eux !

Eddy de Pretto signe son grand retour ! Deux ans après son dernier album "À TOUS LES BÂTARDS", certifié disque d'or, le chanteur revient avec "CRASH COEUR", nouvel album à paraître le 17 novembre. Auteur, compositeur et interprète, l'artiste a toujours eu une vision claire de ses envies, du studio à la scène en passant par l'image. Avec ce nouvel opus, il explore le moindre de ses désirs, des sonorités R'n'B à des textes à la fois crus et écorchés. En résultent 12 titres ambitieux et percutants, dont l'héritage musical résonnera chez celles et ceux qui ont grandi à l'aube des années 2000. Fier de ses nombreuses casquettes (il est également metteur en scène, directeur artistique et producteur), il prouve qu'il est bien plus qu'un chanteur de variété, mais un artiste pop aux multiples facettes.

Lavilliers et les grands orchestres se sont régulièrement fréquentés. On se souvient de son hommage à Léo Ferré au Théâtre du Chatelet en 2006 avec l'orchestre symphonique Pasdeloup... Il y a tout juste un an, il donnait un concert unique à la Maison de la Radio avec l'orchestre de Radio France. L'expérience a donné envie au chanteur de reprendre le fil de cette soirée en enregistrant une partie de son répertoire avec un grand orchestre classique. Après " Sous un soleil énorme ", conçu en pleine pandémie et à distance de ses musiciens, le chanteur a eu envie de renouer avec l'esprit des enregistrements " à l'ancienne ", se retrouvant au beau milieu de ses musiciens pour l'enregistrement de tout un album. Cela sans nostalgie, plutôt avec l'esprit de passeur qui le caractérise, comme s'il nous racontait aussi un peu l'histoire de la musique enregistrée à travers ce geste. Accompagné par le compositeur et arrangeur Cyrille Aufort, un orchestre symphonique de plus de cinquante musiciens, et de quatre compagnons de route (Xavier Tribolet aux claviers et arrangeur de 3 chansons, Antoine Reininger à la basse, Michaël Lapie à la batterie et Vincent Faucher à la guitare), Bernard Lavilliers nous invite à assister à la métamorphose de 13 de ses grandes chansons et nous dévoile un inédit...

Malgré les 23 années qui ont passé depuis la sortie de leur précédent album, les quatre membres de F.F.F. n'ont jamais pensé un seul instant à se séparer, convaincus que leur aventure pouvait se relancer à tout instant à partir d'un éclair. C'est exactement ce qu'il s'est passé lorsque les quatre vieux complices ont décidé de relever le défi de donner naissance à leur cinquième album. Pendant la création d' " I SCREAM ", baptisé ainsi pour le jaillissement des tripes qu'il représente, Marco Prince, Yarol Poupaud, Nicolas Baby et Krishoo Monthieux se sont laisser porter par l'enthousiasme d'une jeunesse soudainement ressuscitée. Et cela s'entend, tant I SCREAM est une oeuvre sur un fil, à la frontière savoureuse de l'histoire et du risque. Si on retrouve ce qui a toujours fait de F.F.F. un génial OVNI, quand ce trio constitué par la basse, la guitare et la batterie fait soudainement naître une fusion de rock et de funk parée pour faire balloter les corps dans un tourbillon charnel, I SCREAM recèle également des morceaux totalement inclassables, tel " Les Magazines ", premier single qui donne à imaginer une sorte de western survitaminé, tanguant entre les mélopées d'Ennio Morricone et les saillies à la Serge Gainsbourg. Au-delà des rythmes, I SCREAM est aussi un album solidement arrimé à l'époque : de manière tout à fait naturelle, le quatuor a ainsi couché sur le papier des textes qui saisissent avec subtilité l'énergie des combats pour la cause des femmes et la protection de l'environnement, de la même manière qu'il martelait son dégoût du racisme dans le célèbre " Ac2n " de son tout premier album, en 1991. Lorsque les dernières notes de " Love Train " retentissent, une chose est sûre : F.F.F. est bien de retour, et ça fait un bien FFFou !

ILION de SLIFT est une oeuvre de musique rock gigantesque, un disque qui démarre au plus haut et ne se relâche jamais. Si cela vous semble démesuré, sachez qu'avec le trio toulousain on est entre de bonnes mains. Leur troisième album est massif et océanique, fusionnant l'intensité furieuse du métal et les guitares héroïques du psych rock avec le sens épique du post-rock. ILION est le genre de musique que l'on écoute en se disant : "C'est le fruit du travail de trois personnes seulement ?" C'est bien le cas, et la férocité totale de SLIFT est bien plus qu'une tempête dans une tasse de thé. Elle s'étend sur des kilomètres et crée de nouveaux zéniths dans les horizons imprévus du rock. SLIFT est composé des frères Jean et Remí Fossat, et de Canek Flores, qui a rencontré les frères Fossat à l'école. Le groupe s'est formé en 2016 et a rapidement produit son premier EP en 2017, Space Is the Key, qui fusionnait la lourdeur du stoner rock avec les qualités de sucre du rock garage. À partir de là, les choses sont devenues encore plus étranges : Le trio a expérimenté des tempos plus rapides et des bongos (!) sur l'album La Planète Inexplorée de l'année suivante, et en 2019, leur session KEXP enregistrée au festival des Trans Musicales de Rennes est devenue une sensation virale, accumulant plus de 1,4 million de vues sur YouTube. UMMON, sorti en 2020, représente le pivot de SLIFT vers les confins célestement écrasants du psych-metal, marqué par les lignes de basse roulantes de Remí et les coups de poing implacables de Flores. Mais rien dans leur catalogue ne pouvait vous préparer à ILION, un disque énorme et mélodiquement dense qui rappelle à la fois Godspeed! You Black Emperor, la brûlure passionnée des légendes du post-hardcore ...And You Will Know Us By the Trail of Dead, le mysticisme psychotique du blues-rock de Led Zep et le tourbillon psychédélique des grands Suédois de Goat. Du lourd, certes, mais n'ayez crainte, car vous n'avez pas besoin d'un dé à 12 faces et d'une copie de l'Odyssée pour comprendre ce que SLIFT propose sur ILION. Tout ce dont vous avez besoin, c'est de deux oreilles, d'un esprit ouvert et de la volonté d'être vraiment époustouflé.

Fondé en 1994 à Olympia (état de Washington), le groupe Sleater-Kinney est une figure emblématique de la scène punk-rock alternative US depuis près de trente ans. Issue du mouvement underground féministe riot grrrl, la formation 100% féminine emmenée par les chanteuses guitaristes Corin Tucker et Carrie Brownstein, renoue avec les contours abrasifs et la profondeur émotionnelle de l’incontournable ‘Dig Me Out’ (1997) dans son nouvel album intitulé Little Rope. Inspirées par la perte soudaine de la mère et du beau-père de Carrie Brownstein et produits par John Congleton (St. Vincent, Sharon Van Etten), ces dix titres naviguent entre minimalisme organique, hymnes cathartiques et climats atmosphériques dans un manifeste résilient, libérateur et triomphant.

A travers 10 reprises, "Elles" rend hommage aux voix de femmes et en particulier à quelques-unes des chanteuses qui ont marqué l'itinéraire de Youn Sun Nah, de Nina Simone à Roberta Flack en passant par Björk ou Edith Piaf. Pour la première fois en duo, avec la complicité du pianiste-claviériste américain Jon Cowherd (Brian Blade Fellowship), la chanteuse coréenne a imaginé ce florilège de chansons par-delà les époques et les frontières musicales. Un nouvel album au visage intimiste mais au fil duquel Youn Sun Nah reste fidèle à elle-même, à sa voix et aux sillons invariablement ouverts de sa musique.

La pop de Mika prend pour la 1ere fois un gout 100% francophone. Dans cet album aussi joyeux qu'intime, aussi touchant que dansant, Mika ouvre une porte sur ses souvenirs et ses émotions, sans perdre sa force pop si universelle. Il réussit le tour de force de faire vibrer la langue française sur ses envolées et ses mélodies incomparables. On y découvre le Mika qu'on aime. Les tubes s'enchaînent (C'est la vie, Jane Birkin, Apocalypse Calypso...) tout en laissant l'émotion et les frissons nous rattraper parfois (30 secondes, Passager, Moi Andy et Paris...). Mika a consacré plusieurs mois à l'écriture et à la production de cet album en prenant le temps de rencontrer et collaborer avec la jeune scène française. Un exercice libérateur qui donne un résultat exceptionnel. "Que ta tête fleurisse toujours" est un appel à la créativité et celle de Mika est plus que jamais florissante.

Plus de 20 ans après la sortie de Up en 2002, Peter Gabriel revient avec un nouvel album : i/o. Cet album reflète la beauté et l'aptitude de l'artiste à écrire des chansons qui vous arrêtent, avec cette voix palpitante et délicieusement intacte. Le passage du temps, la mortalité et le deuil, l'injustice, la surveillance et les racines du terrorisme font partie des thèmes abordés dans ce nouvel album. Mais il ne s'agit pas d'un disque solennel. i/o est musicalement aventureux, souvent joyeux et finalement plein d'espoir. Les 12 titres de l'album sont disponibles dans deux versions différentes : le Bright-Side Mix réalisé par Mark 'Spike' Stent, et le Dark-Side Mix réalisé par Tchad Blake, deux mixeurs de renommée internationale.

IDLES est de retour, pour un cinquième album studio ! TANGK est le cinquième album, juste et vibrant, des chercheurs de vérité en folie IDLES. Prononcé "tank" avec une pointe de "g" - une référence onomatopéique à la façon dont le groupe imaginait le son de ses guitares, devenue depuis un sigle de la vie amoureuse - l'album est l'oeuvre la plus ambitieuse et la plus frappante du groupe à ce jour. Alors qu'IDLES s'était fixé pour objectif de faire chier le monde, de s'opposer férocement aux éternels ayants droit, ils sont arrivés pour offrir les fruits d'une telle persévérance : l'amour, la joie et la gratitude de vivre. TANGK, coproduit par Nigel Godrich, Kenny Beats et Mark Bowen, le guitariste d'IDLES, rayonne d'un sens radical du défi et de l'autonomisation. Malgré sa réputation d'incendiaire post-punk, le leader Joe Talbot chante avec passion ces dix chansons, offrant chaque voeu lascif ou plaidoyer de solidarité comme une véritable chanson pop, c'est-à-dire une chose que tout le monde peut faire circuler et partager, des hymnes communautaires destinés à surmonter nos griefs. TANGK est un album d'amour, ouvert à tous ceux qui ont besoin de crier quelque chose à haute voix pour repousser le sentiment de vide qui les envahit, maintenant ou pour toujours.

Green Day présente son nouvel album "Saviors", comprenant le single " The american is killling me", sorti le 24 octobre dernier. Suite à l'album "Father of all...", le trio incontournable renoue avec Rob Cavallo ("Dookie, "American Idiot") à la production et offre une ode au punk et au rock n roll. Le groupe fêtera également les 20 ans du cultissime "American idiot" en 2024, vendu à plus de 8 millions d'exemplaires.

Connu pour son écriture recherchée, Rocé est aussi apprécié pour ses projets surprenants. Après 4 albums de rap français entre 2002 et 2013, il compile en 2018 un recueil de morceaux engagés des 70s en langue française Par les damné.e.s de la terre - des voix de lutte 1969-1988, clamés par des artistes des luttes ouvrières et des décolonisations. A partir de juillet 2020, Rocé vient combler sept ans d'absence dans le rap, avec des morceaux qu'il sort spontanément sur les plateformes. Il a présenté son EP Poings serrés en juin 2021, et annonce enfin son nouvel album Bitume,. Bitume est un projet sincère et brut, des morceaux qui disent les combats à mener et qui insistent incontestablement sur l'espoir, des morceaux au poing levé. C'est un album dans lequel on croise Ol Kainry, Daddy Mory et l'acteur Slimane Dazi. Bitume n'arrive cependant pas seul, l'album Palmier, dans un tout autre style, sortira au printemps 2024.

La poésie de Camoes chantée par Lina et produite par Justin Adams, touchante et pleine de vie. Trois ans après le succès de son album avec le producteur et musicien Raül Refree, nommé aux Victoires du jazz 2020, la chanteuse de fado Lina est de retour avec Fado Camoes, un album inspiré de la poésie de Luis de Camoes produit par Justin Adams. Lina s'entoure de la guitare portugaise de Pedro Viana, et du piano, claviers et arrangements de John Baggott (Massive Attack, Portishead). Justin Adams est présent sur presque toutes les chansons à la guitare et aux percussions. Lina chante également un duo avec la figure de proue de la folktronica espagnole Rodrigo Cuevas. La chanteuse nous emporte vers la poésie de Camoes avec un son renouvelé et une composition envoûtante et minimaliste tout en gardant son expressivité vocale, sensorielle, palpitante, touchante et pleine de vie.

The Smile, le supergroupe formé par Thom Yorke et Jonny Greenwood de Radiohead avec le batteur de Sons of Kemet Tom Skinner, sort un second album 'Wall of Eyes' chez XL recordings. Le nouvel opus est une brillante et aérienne collection de 8 titres explorant les frontières du shoegaze et de l'indie rock, accompagnés d'un orchestre à cordes et portés par la voix inimitable du leader de Radiohead.

Dadju et Tayc, deux génies de la musique, ont décidé de dépasser leurs statuts de concurrents en s'associant pour offrir un chef-d'oeuvre musical qui marquera l'histoire. Ils cumulent à eux deux plus de 3 milliards de streams, 30 millions d'abonnés et 4 milliards de vues. Bien plus qu'une simple collaboration, cet album est une célébration de l'amour, de la musique et de l'art où l'harmonie parfaite règne en maître. Un album qui s'apprête à transcender les frontières musicales et plus globalement audiovisuelles en mélangeant les sonorités pop, r&b, et afrolov'.

Contre toi : Un album majeur, serein et sans fioriture. Un album émancipé, qui touche à l'essentiel ! Heureux ceux qui vont découvrir CharlElie Couture avec " Contre toi " et ainsi entrer dans ses mots, ses convictions et sa vision de la beauté qui n'appartiennent qu'à lui. Heureux ceux qui vont découvrir aujourd'hui ce poète rock, cet inlassable créateur adepte du 'multisme' (musique, écriture, art visuel), curieux du monde qui l'entoure qui se fait plus tendre avec cet 26ème album où l'amour se conjugue avant, pendant et après. En raconteur d'histoire CharlElie part de l'intime pour le rendre universel. Cet album n'aurait pas dû voir le jour mais une chanson écrite par sa fille Yamée en décida autrement et bouleversa son imaginaire. Signe du destin il s'agit de " l'Absence " qui figure au milieu du disque. Avec son guitariste complice Karim Attoumane, ils ont façonné cet album plutôt acoustique sous la baguette du réalisateur Dominique Blanc-Francard. CharlElie Couture n'a de cesse que de faire exister sa vie qu'il embrasse à bras le corps sur scène où retentira l'iconique " Comme un avion sans aile " jusqu'au mot " Infini " qui conclut cet album à la fois intense et pudique.

6 ans après le succès de l'album "Cinéma", voici le tant attendu nouvel hommage du violoniste Renaud Capuçon aux compositeurs français de musique de film. " L'idée de ce nouveau disque réunissant des compositeurs de musiques de films français est née il y a une dizaine d'années lors de conversations avec mon ami Jacques Chancel. Il me parlait beaucoup de Georges Delerue et de Pierre Schoendorfer, qui avaient travaillé ensemble sur Diên Biên Phu. Il y a deux ou trois ans, en repensant à ces conversations, j'ai redécouvert la musique de Delerue, et j'ai réalisé quel point il était un compositeur extraordinaire. En hommage à leur talent, à l'amitié entre ces hommes aujourd'hui disparus, j'ai souhaité réaliser cet album autour des plus éminents compositeurs français du 7eme Art : Delerue, Sarde, Legrand, Jarre, Kosma, de Roubaix, Petit, Cosma, Lai, Yared, Rombi, Desplat. Et au travers de leur musique, vous faire revivre des moments magiques avec les inoubliables Romy Schneider, Michel Piccoli, Yves Montant, Philippe Noiret, Louis de Funès et tant d'autres. Puissent ces Choses de la vie vous donner autant d'étoiles dans les yeux que nous en avons eu en les enregistrant avec Les Siècles et Duncan Ward."

Le retour de Lescop avec ce troisième album ressemble à la réinvention imparable d'une new wave à la française. Cet enfant naturel du rock et du punk a retrouvé le sens d'une rébellion intime après avoir traversé quelques orages intérieurs d'une rare intensité. Comme si de fait il reconnectait aujourd'hui avec l'essence même de la candeur (sombre et joyeuse à la fois) de son premier tube " La forêt " (+15M de streams)... Où il autorisait ainsi toute une génération avide de sens et de sons nouveaux à danser sur les charbons ardents d'une hybridation qui fait l'identité de la pop française d'aujourd'hui. En tandem avec le réalisateur Thibault Frisoni, Lescop a construit son édifice pop de 13 chansons lumineuses autour du thème de la mutation, de l'amour et de la renaissance. Où l'on croise pèle mêle, les voix incandescentes et sans concession de Izïa, Halo Maud ou Laura Cahen. Où soudain la puissance d'Ash Workman (Metronomy, Christine and the Queens...) au mixage offre une lumière naturelle au disque où Brighton devient une destination baléarique... Tandis que l'empreinte poétique de Pasolini voisine avec celles de Bob Dylan, Etienne Daho, ou Daniel Darc, trilogie majestueuse d'inspiration qui atteste d'un retour à l'essence même de la pop. Lescop a intitulé son troisième album " Rêve parti ". En 13 chansons au magnétisme obsédant, il réussit à nous convaincre qu'il est encore possible de réinventer le rêve dans toute sa force utopique. L'album sera disponible le 2.02.2024 en partenariat avec MK2 et les Inrocks.

Isaac Delusion revient avec un 4e album : " Lost and Found ". Le groupe prolonge son évolution musicale constante et son ascension sans jamais perdre son empreinte vocale unique et sa musicalité pop et aérienne, véritables signatures. Pour la première fois, le projet s'est ouvert à des musiciens et producteurs extérieurs. La participation sur 6 titres de l'album de LUCASV, architecte du dernier album de Disiz, en témoigne. Imaginé, composé et écrit à la suite du confinement, l'album " Lost and Found " est un grand bol d'air frais, de renouveau et de titres envoûtants. Promesse d'évasion et de rêverie, la magie tantôt solaire, tantôt mélancolique, opère plus que jamais.

" Vivre " le nouvel album de Grégoire, poignant et percutant ; un véritable hymne à la vie. Avec plus de 3 millions d'albums vendus au cours de sa carrière, Grégoire est prêt à enchanter à nouveau le monde avec son septième album " Vivre ". Ce nouvel album est la somme de toutes ces expériences, doux mélange des chansons à la " Grégoire " : simples sans être faciles, efficaces, mélodiques et accrocheuses avec des textes intelligents, poignants et percutants dans la lignée de son mentor, Jean-Jacques Goldman. Un véritable hymne à la vie. Il n'est pas facile de trouver un chanteur français actuel ayant autant de diversité dans ses projets, dans ses styles. C'est un touche-à-tout qui préfère l'expérience et la créativité. Aujourd'hui il revient tel qu'il ne s'est jamais montré mais tel qu'il a toujours été dans le privé : solaire, positif et dynamique. Avec " Vivre ", Grégoire propose un univers musical à la croisée de la chanson française et de la pop anglo-saxonne et un univers graphique chatoyant inspiré par le pop art.

La légende du rock britannique Rod Stewart s'associe pour la première fois avec le célèbre pianiste, chanteur et compositeur Jools Holland. Les deux artistes et amis se réunissent sur un disque commun intitulé "Swing Fever", composé de 13 titres en hommage aux classiques intemporels du Swing.

Après une entrée magistrale en littérature avec la parution de deux romans et plus d'un million de lecteurs, Olivia Ruiz annonce son 6e album " La Réplique " pour le 1er mars 2024. Un retour en musique plus qu'attendu pour une artiste majeure de sa génération avec un disque à son image : hors des sentiers battus, engagé, flamboyant, libre. Album écrit et co-composé par Olivia Ruiz entourée de Nino Vella (Yseult, Eddy de Pretto...), Vincha (Louane, Ben Mazué...), Jonathan Quarmby (Benjamin Clementine, Lewis Capaldi...), Kaonefy (Médine, Lord Esperanza...). " La Réplique " mêle le français et l'espagnol avec des sonorités résolument modernes entre élégance de la grande chanson, moiteur des rythmes latins et grondements rageurs de l'électronique. En tournée dès le printemps 2023 et à L'Olympia (Paris) le 20 novembre 2024.

Fakear a eu besoin de se réinventer. Revenir à l'essentiel avec spontanéité et surtout honnêteté. Dix ans après ses premiers amours et ses premiers succès, il fallait revenir à ses racines sans pour autant regarder le passé avec nostalgie ou dégoût ; plutôt en le contemplant avec bienveillance. Ce renouveau s'est alors traduit en un mot : Talisman, le nom donné à son dernier album, sorti le 24 février 2023. Accompagné d'une tournée française et européenne sold out, d'un passage au Trianon complet lui aussi, et bientôt d'un concert à la salle Pleyel le 02 février 2024. Mais un tel retour, particulièrement remarqué par les médias et le public, ne s'arrête pas net après la sortie d'un album. L'inspiration, pour Fakear, ne s'épuise pas aussi brutalement. C'est ainsi que Hypertalisman est né. La suite de ce renouveau pour Théo, et de cette vague d'inspiration. Tel un prolongement de Talisman : une nouvelle dimension, un univers parallèle. "Talisman était le retour à l'essentiel, Hypertalisman est la fenêtre tournée vers l'avenir."

La grande voix du reggae africain nous offre son premier album acoustique. Il réinvente ses plus grands titres (Tonton d'America, Africain à Paris, Plus rien ne m'étonne, Ça va faire mal...), et invite à ses côtés de nombreux artistes français et internationaux (Bernard Lavilliers, Chico César, Naâman, Horace Andy, -M-, Tiggs Da Author...). Un incontournable dans sa discographie !

Voici ce qu'écrivait en octobre dernier Les Echos à l'occasion de la semaine de concerts d'Usher en France à la Scène Musicale : " De son nom émane toute une époque. Celle d'un âge d'or, comme on aime à l'appeler, où dans les charts américains se disputaient alors les morceaux d'Aaliyah, de Lauryn Hill ou de Big Pun. Lorsque l'on évoque cette période musicale si singulière, qui a jalonné la fin des années 1990 au début des années 2000, les albums d'Usher - " My Way ", " 8701 ", " Confessions " - font forcément figure de classiques. Et sur les rives de la Seine, dans un show tout droit pensé pour sa résidence à Las Vegas, l'artiste continue de faire revivre cet imaginaire, lui-même qui célébrera, dans quelques mois, ses trente ans de carrière. Sous les lumières de Paris, le voici qui apparaît tel un dandy moderne, bijoux autour du cou et tout de blanc vêtu, une touche de fourrure l'habillant. Le musicien se glisse dans le personnage qu'il a toujours esquissé et dont il n'a jamais totalement cherché à s'émanciper : celui d'un performer total, mêlant le chant à la danse, mais aussi d'un séducteur, dans sa musique comme dans son esthétique. " Ce nouvel album d'Usher marque la réunion créative d'Usher et de L.A. Reid, qui n'ont pas travaillé ensemble depuis l'album de diamant " Confessions " sorti en 2004. L'album a été principalement enregistré à Atlanta, en Géorgie, avec de nombreux producteurs parmi les plus en vue d'Atlanta, dont Sean Garrett, Lil John, The Avila Brothers, Mel & Mus, Tricky Stewart, Rico Love, The-Dream, Jermaine Dupri, D Mile et bien d'autres encore. Summer Walker, 21 Savage et Latto ont également participé à cet album. Avec ses 80 millions d'albums vendus, Usher sera la tête d'affiche du spectacle de la mi-temps du prochain Super Bowl (11 février 2024).

Raphaël fait son grand retour avec un nouvel album " Une autre vie ". 11 titres sublimes aux textes poétiques et aux mélodies ensorcelantes. Inclus le single " L'espoir ". Raphaël, auteur-compositeur-interprète légendaire de la scène française contemporaine, fait son grand retour avec un nouvel album " Une autre vie ". 11 titres sublimes, entre pop et chanson, d'une qualité incomparable, dans lesquels l'artiste se livre, à travers des textes poétiques, sur sa vision de la vie et du bonheur, entre amour, désir et nostalgie. Inclus le single " L'espoir ". Raphaël c'est 2,5 millions d'albums vendus, 4 disques d'or et 3 de platine, 3 Victoires de la musique, 1 NRJ Music Award, 1 Globe de cristal.